当我们看向20世纪，在信息时代的前夜，时代交迭的关口，千禧年即将来临，从未有过如此物质充盈，飞速膨胀的年代。
电视挤占了视野，信息塞满大脑；价值被重新定义，消费成了第一生产力。梦露的裙角飞扬，仿佛遍地是牛奶与蜜的迦南之地，人们狼吞虎咽，物欲横流。
世界下沉，艺术“降格”。在旧有秩序崩溃，社会文化变革的20世纪，“波普艺术”(PopArt)伴随摇滚乐一同横空出世。拒绝高级的艺术题材，背向旧时代晦涩难懂的抽象艺术，以低级文化/次文化为母本，从流行文化中提取符号，以嘲讽的姿态，讽刺艺术，也讽刺当代。
20世纪初，“达达主义”正大行其道。
年，毕加索(PabloPicasso)取材巴黎古老的百货公司BonMarché的图像广告，创作了《aubonmarché》。
毕加索奥本·马尔什，年，杜尚(MarcelDuchamp)忙着给达·芬奇的《蒙娜丽莎》加上性感的山羊胡子，署上《L.H.O.O.Q》（法语谐音意——屁股火辣辣）。
杜尚L·H·O·O·Q·，“低级”艺术开始入侵“高级”艺术，达达主义运动撕开了现代艺术的幕布。
活跃在20年代的立体主义画家，杰拉尔德·墨菲(GeraldMurphy)，查尔斯·德穆斯(CharlesDemuth)都曾通过再创造——世俗物体/通俗文化——创造过波普艺术的前身。
GeraldMurphy,Razor,此时，达达主义运动正如日中天，世纪初的天才们正闪耀在他们的舞台；波普艺术尚未成气候，还需静待它的时机。
GeraldMurphy,WaspandPear,20年代末，扎根于虚无主义的达达主义昙花一现，如自己所言一般：“反对所有艺术，也反对自己”。艺术家们转投其他流派，如超现实主义等新生艺术。
达达主义的余波辐射整个二十世纪，其戏谑的态度，“反传统”的传统被各艺术流派一以贯之，发扬光大。
ISawtheFigure5inGold,波普艺术就是达达主义的著名衍生产物。在模糊掉达达主义过于极端的虚无主义底色，抛弃其激进的左翼政治态度后，波普艺术既旧的美学和秩序的瓦解之后，高举“无意义”的狂欢大旗，催生出一派新的美学，重新定义了艺术。
出于讽刺或叛逆，艺术不再是稀缺的阳春白雪，而是批量的复制品，大众的文化；平凡的现实和琐碎的意义瓦解了高雅的艺术和抽象的美学。波普运动在世纪中迎来了自己的舞台。
波普艺术元年
年，爱德华多·保罗兹（EduardoPaolozzi）依赖源于立体主义画派，在达达主义大放异彩的拼贴画（Collage）手法创作了《我是一个富人的玩物》；至此，画中左轮手枪的“POP！”一枪定下了波普艺术的正式名号，成为波普艺术的运动元年。
爱德华多·保罗兹,我是一个富人的玩物5年后，英国伦敦，保罗兹带领一群年轻艺术家创建“独立小组”。波普艺术——“PopArt”借由他们之口公之于众。
独立小组理查德·汉密尔顿（RichardHamilton）将波普总结为：流行（专为大众设计），瞬时（短期解决方案），消费品（容易被遗忘），低成本，批量生产，年轻（针对青年），机智，性感，花俏，迷人，大生意。”
理查德·汉密尔顿英国的波普艺术家们中主要取材于美国的流行符号，广告，图像。
相较之下，美国本土的素材更广，艺术家们在大量的图像和信息的狂轰滥炸下，接触原生的大众文化，他们的作品少了英国视角的浪漫和感性，更为袒露，更具侵略性。
抛掉“个人感悟”，不作反思，无谓批判；艺术的“意义”被消解，呈现出近乎“冷漠”的大众性。
年，纽约现代艺术博物馆举办了“波普艺术座谈会”，将“波普艺术”一词正式引入了美国。
波普艺术也以纽约为根据地，在60年代，风光一时无两。
罗伊·利希滕斯坦
当时美国的波普艺术家中，罗伊·利希滕斯坦（RoyLichtenstein）拥有广泛的影响力。
自年起，他开始将目光从日常元素转向更多的漫画元素，聚焦于常见流行的卡通漫画题材。
将本戴点（Ben-Daydot）这一常见于廉价印刷和照相制版的制作技巧运用于画作上（当时粗制滥造的低俗漫画通常利用本戴点来处理底色和次要颜色），这种粗糙、充满工业风格的本戴点画作风格和气泡画框也成了利希滕斯坦的标志性风格。
罗伊·利希滕斯坦,看,米奇！,《看，米奇！》取材于当时大受欢迎的儿童读物《小金书》系列（LittleGoldenBook），最初只是为了向儿子证明，自己也能画的和《小金书》的漫画一样好，这一偶然的选择，让利希滕斯坦找到了自己的风格和主题；尔后几年，他创作了大量根植于漫画的名作。
罗伊·利希滕斯坦，杰作,《杰作》的素材来源于悬疑志异漫画《奇怪的悬疑故事》(StrangeSuspenseStories)，为他创下了1.65亿美金的拍卖纪录，至今仍是他最昂贵的作品。
罗伊·利希滕斯坦，Whaam!,《Whaam!》-改编自DC漫画《全美战士》第89期（All-AmericanMenofWar）。
《溺水女孩》《在车里》《睡着的女孩》《我们缓慢上升》源于漫画家托尼·阿布鲁佐（TonyAbruzzo）的DC连载漫画《女孩浪漫史》。
罗伊·利希滕斯坦，溺水女孩,罗伊·利希滕斯坦，在车里,罗伊·利希滕斯坦，睡着的女孩,罗伊·利希滕斯坦，我们缓慢上升,不过自年后,利希滕斯坦基本放弃了这一主题和波普艺术，更多地转向了雕塑工作。
安迪·沃霍尔
60年代的纽约，最耀眼的光芒当属安迪·沃霍尔（AndyWarhol）。他几乎成为波普艺术的象征，艺术评论家亚瑟·丹托称他是：“艺术史上最接近哲学天才的人物。”
其他艺术家对于流行文化还略显保守，持有或清高或反讽的态度。
早期从事商业设计和广告艺术的经历让他全身心地拥抱这些所谓的“庸俗文化”，卸下所谓艺术家的自持，更为开放，将工业技术和商业元素结合，摸索着媒介和技术之间的界限。
安迪·沃霍尔与布里洛盒子从这一点来说，安迪·沃霍尔是最纯粹也是最彻底地践行了波普艺术的“反艺术”根源的，他热爱商业艺术所代表的普适和平等。
他喜欢好莱坞，赞美可口可乐，发自内心的认为艺术即商业。他对商业/消费世代的态度就是：“一切都是美好的，波普就是一切”(Everythingisbeautiful.Popiseverything)。
安迪·沃霍尔抛掉寻找“意义”，通过他与生俱来的美学品味，他的作品将艺术“降格”。
年，安迪·沃霍尔在曼哈顿的东47街建立了他的银色工厂（TheFactory），这里成了纽约的艺术大本营，那张著名的红色沙发接待过声名显赫的名流，也留宿过籍籍无名的边缘艺术家。
在同好的支持和帮助下，安迪·沃霍尔用“丝网印刷”这一工业技术制画将波普艺术推向了顶峰。
安迪·沃霍尔与红沙发时值，热爱金钱，汤罐头，可口可乐和好莱坞的安迪·沃霍尔将这些元素都转移到了画布上，近乎复制般的“印刷大众文化。
安迪·沃霍尔在工厂进行丝网印刷艺术成了“商品”，以一种冒犯的态度，嘲弄的姿态将现代文明的产物变成艺术作品。
《坎贝尔汤罐》首次展出时并没有引起太大的风浪，但是安迪·沃霍尔传奇的起点，也是波普艺术迈向顶峰的一个分水岭。
年，在纽约的马厩画廊，安迪·沃霍尔举办了自己的首个波普主题展览。其中就有他著名的《坎贝尔汤罐》《玛丽莲·迪普蒂奇》《绿色可口可乐瓶》。
32个汤罐像商品一样横列在洛杉矶的费鲁斯（Ferus）画廊，单个画布售价美金。
展览的画作总共卖出6幅，《逍遥骑士》的主演丹尼斯·霍珀是最初为数不多的购买者之一。
展览后，画廊的老板欧文·布鲁姆（IrvingBlum）将卖出的作品全部收回，以0美金的价格将32幅成套收藏。34年后价值万美金，被纽约现代艺术博物馆收购。
安迪·沃霍尔，坎贝尔汤罐左：坎贝尔汤罐，右：安迪·沃霍尔作品画廊展出的最后一天，也是玛丽莲·梦露(MarilynMonroe)去世的前一天。
安迪·沃霍尔正在收集她在《尼亚加拉》(Niagara)电影里的宣传照，最终通过丝网印刷拼凑出《玛丽莲·迪普蒂奇》：50个头像，一半彩色，一半黑色。
这20世纪传奇巨星的离奇逝去，推波助澜让这幅画在当时就获得了空前的影响力。
安迪·沃霍尔，玛丽莲·迪普蒂奇至于另一幅名画《绿色可口可乐瓶》则是安迪·沃霍尔长久以来的一个夙愿，他想将可口可乐艺术化的热情早在50年代就已经萌发了。
年，他就曾经绘画过《双腿和可乐瓶》，也尝试过利用杂志上的可口可乐广告图来制作拼贴画。
安迪·沃霍尔可口可乐与双腿,直到年，安迪·沃霍尔才找到了最适合制作可口可乐艺术的方式——将可乐瓶“复制”了次。至此，安迪·沃霍尔一发不可收拾，60年代对可乐的元素系列创作让这一时期被称为“可口可乐时期”。
安迪·沃霍尔绿色可口可乐瓶绿色可口可乐瓶，而波普对艺术的“降格”不止于此。
年，以罗伊·利希滕斯坦和安迪·沃霍尔为首的一众艺术家在曼哈顿举办了一场名为美国超市(TheAmericanSupermarket)的艺术展。
美国超市艺术展,不同于以往将艺术画地为牢，将观众拒之门外的高雅展览，这次的展览将画廊变成了超市，罗伊·利希滕斯坦的火鸡购物袋和安迪·沃霍尔的坎贝尔汤罐购物袋售价2美金，《坎贝尔汤罐》的画作一副美金，亲笔签名的罐头6美金。
这些都是可以批量生产、售卖的艺术。
美国超市艺术展这引出了艺术的哲学命题：如何定义艺术？
正如米兰·昆德拉的拷问：“当艺术剥离了时代背景，失却偶像崇拜的狂热之后，还能达到那样的高度吗？”
艺术不过一场造神运动，被捧上神龛的一具玩偶，失去了香火，也就失去了魔力。
当波普艺术将艺术的小众性、阶级属性消解，艺术不再是少数人/少数阶级的享乐和优越感，而成了大众的艺术，商业/工业的艺术。
在拥抱商业的同时，波普发出对艺术的拷问：“拥抱流行的艺术是否就消解了其美学？可以量产的艺术是否就降低了价值？”
然而其高昂的价格也真正讽刺了艺术，在剥下艺术名义的外衣后，内容上是随处可见的流行元素，创作手段是可批发量产的商品，却依然因为制作人的名气变成了无价之宝。
简单的意义被曲解成章，变得高深莫测。当波普被售以高价，其实印证的是艺术的虚伪和荒诞。
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